Sebbene Nicephore Niepce sia accreditato come l’inventore della fotografia (e quindi definibile come padre della fotografia moderna), egli sperimentò le prime tecniche fotografiche durante gli anni 1820 (la prima fotografia sopravvissuta risale al 1826 circa), le sue fotografie richiedevano un tempo di esposizione estremamente lungo e i risultati erano imperfetti. Louis Daguerre perfezionò il lavoro di Niepce durante gli anni 1830 con la creazione del dagherrotipo che richiedeva solo pochi minuti di esposizione e produceva un’immagine nitida e chiara. I dettagli di questo processo furono resi noti nel 1839 e questa data è considerata l’inizio della fotografia come mezzo di comunicazione. Le scoperte e gli sviluppi successivi, compresi quelli di Henry Fox Talbot, continuarono a rendere la fotografia più facile e accessibile.
Nelle sue prime forme, la fotografia era vista come uno strumento scientifico e il suo primo uso pratico fu in botanica e archeologia. Nonostante le innovazioni nel campo della fotografia artistica questo uso rimase importante con fotografi come Eadweard Muybridge, noto per i suoi studi sul movimento negli anni 1870, continuando a sfruttare le sue applicazioni scientifiche. Quando il mezzo si diffuse e divenne più accessibile, i fotografi iniziarono a sperimentare, producendo ritratti e tableaux, questi ultimi spesso ispirati da opere storiche e letterarie. Ci furono diverse figure chiave in questo movimento, tra cui John Edwin Mayall, Julia Margaret Cameron, Charles Dodgson (Lewis Carroll) e Oscar Rejlander nel Regno Unito. Negli Stati Uniti fotografi come F. Holland Day, Alfred Stieglitz e Edward Steichen aprirono la strada, con Stieglitz che introdusse la fotografia nelle collezioni dei musei e nelle gallerie d’arte.
Come parte del tentativo di far riconoscere il loro lavoro accanto ad altre forme d’arte più affermate, questi fotografi adottarono il linguaggio e i valori delle belle arti. Questo può essere visto nel libro di Henry Fox Talbot The Pencil of Nature (1844). Questa fu una delle prime raccolte di fotografie ad essere pubblicata commercialmente e ogni immagine era accompagnata da una breve descrizione che spiegava la scena e i processi coinvolti nella sua cattura. Il libro utilizza la terminologia artistica e dimostra chiaramente come Talbot ha inteso la fotografia moderna in termini di immagine dipinta.
Spinti dagli effetti devastanti della prima guerra mondiale, i grandi movimenti internazionali Dada e Surrealismo cercarono di creare un nuovo tipo di arte che riflettesse il caos e l’assurdità della vita moderna. Più preoccupati dai concetti che dall’estetica, abbatterono le tradizionali barriere tra i diversi tipi di arte, utilizzando la fotografia come un importante mezzo di espressione (anche il film surrealista fu una forza e un argomento profondamente esplorato). Le fotografie seguivano i principi dei movimenti presentando oggetti che erano stati dissociati dal loro contesto abituale, forme umane distorte e compositi fotografici. Queste immagini miravano ad invertire la comprensione di ciò che era normale da parte degli spettatori e ad offrire nuove prospettive su questioni sociali e politiche.
Lavorando a Parigi tra il 1897 e il 1927, Eugene Atget si considerava un fotografo documentarista che catturava le attrazioni della città vecchia. Il suo lavoro, tuttavia, ebbe un profondo impatto su molti surrealisti, da Andre Breton a Pablo Picasso. Man Ray acquistò un certo numero di sue fotografie negli anni ’20 e fu ispirato dal suo uso della luce e del riflesso e dalle sue immagini di manichini di negozi. Come uno dei fotografi più prolifici del movimento surrealista, Man Ray creò alcune delle sue fotografie più famose tra cui Le Violon d’Ingres (1924). Inoltre, sperimentò una serie di tecniche tra cui la solarizzazione e i fotogrammi (che chiamò Rayographs) in cui gli oggetti venivano posati direttamente su carta sensibile alla luce.
Anche il fotomontaggio divenne una tecnica importante e questo fu sperimentato da artisti come George Grosz, John Heartfield e Hannah Hoch, tutti associati al ramo Dada di Berlino. Il fotomontaggio apparve per la prima volta nel 1916 e i primi lavori sottolineavano l’inutilità della guerra; il mezzo continuò ad essere usato per commenti politici e sociali durante la prima guerra mondiale. Il fotomontaggio fu poi adottato dai surrealisti e può essere visto nel lavoro di Salvador Dalí. Altri fotografi associati al Surrealismo includono Brassaï, Dora Maar, Raoul Ubac, Claude Cahun e Manuel Álvarez Bravo.
