Sebbene Nicephore Niepce sia accreditato come l’inventore della fotografia (e quindi definibile come padre della fotografia moderna), egli sperimentò le prime tecniche fotografiche durante gli anni 1820 (la prima fotografia sopravvissuta risale al 1826 circa), le sue fotografie richiedevano un tempo di esposizione estremamente lungo e i risultati erano imperfetti. Louis Daguerre perfezionò il lavoro di Niepce durante gli anni 1830 con la creazione del dagherrotipo che richiedeva solo pochi minuti di esposizione e produceva un’immagine nitida e chiara. I dettagli di questo processo furono resi noti nel 1839 e questa data è considerata l’inizio della fotografia come mezzo di comunicazione. Le scoperte e gli sviluppi successivi, compresi quelli di Henry Fox Talbot, continuarono a rendere la fotografia più facile e accessibile.
Nelle sue prime forme, la fotografia era vista come uno strumento scientifico e il suo primo uso pratico fu in botanica e archeologia. Nonostante le innovazioni nel campo della fotografia artistica questo uso rimase importante con fotografi come Eadweard Muybridge, noto per i suoi studi sul movimento negli anni 1870, continuando a sfruttare le sue applicazioni scientifiche. Quando il mezzo si diffuse e divenne più accessibile, i fotografi iniziarono a sperimentare, producendo ritratti e tableaux, questi ultimi spesso ispirati da opere storiche e letterarie. Ci furono diverse figure chiave in questo movimento, tra cui John Edwin Mayall, Julia Margaret Cameron, Charles Dodgson (Lewis Carroll) e Oscar Rejlander nel Regno Unito. Negli Stati Uniti fotografi come F. Holland Day, Alfred Stieglitz e Edward Steichen aprirono la strada, con Stieglitz che introdusse la fotografia nelle collezioni dei musei e nelle gallerie d’arte.
Come parte del tentativo di far riconoscere il loro lavoro accanto ad altre forme d’arte più affermate, questi fotografi adottarono il linguaggio e i valori delle belle arti. Questo può essere visto nel libro di Henry Fox Talbot The Pencil of Nature (1844). Questa fu una delle prime raccolte di fotografie ad essere pubblicata commercialmente e ogni immagine era accompagnata da una breve descrizione che spiegava la scena e i processi coinvolti nella sua cattura. Il libro utilizza la terminologia artistica e dimostra chiaramente come Talbot ha inteso la fotografia moderna in termini di immagine dipinta.
Il metodo artistico sia del Costruttivismo che del Bauhaus abbracciava l’idea di una nuova tecnologia per un nuovo mondo. La loro fotografia (come la loro arte in generale) era caratterizzata da una precisione e semplicità geometrica che vedeva l’artista assumere il ruolo di tecnico. Mentre un folto gruppo sperimentò il mezzo, le due figure di spicco della fotografia costruttivista russa furono El Lissitzky e Aleksander Rodchenko, entrambi investiti dall’idea che l’arte moderna dovesse aiutare a “costruire” (da cui Costruttivismo) piuttosto che riflettere o rappresentare semplicemente il mondo reale. El Lissitzky era un architetto qualificato che aveva prodotto autoritratti “moderni” che equiparavano il ruolo del fotografo a quello di un ingegnere. Nel suo famoso autoritratto del 1924, noto come Il costruttore, per esempio, El Lissitzky forma il centro di un montaggio geometrico con una mano sovrapposta con un compasso, un cerchio disegnato (prodotto presumibilmente dal compasso) e una tipografia moderna (san serif). Rodchenko, d’altra parte, era ampiamente considerato un fotogiornalista ma, avendo presentato sei fotografie, tra cui Madre e Cortile di Vhutemas visto dall’alto, alla mostra del 1928 Dieci anni di fotografia sovietica, ricevette un premio speciale per aver inventato un genere del tutto nuovo – la “fotografia tecnica” – che era una miscela (o costruzione) di fotografia documentaria e artistica.
Il Bauhaus potrebbe essere definito in modo simile da due artisti pionieri, László Moholy-Nagy e Walter Peterhans. Fino alla loro nomina alla scuola del Bauhaus nel 1929, la macchina fotografica del Bauhaus era stata usata semplicemente per scopi di documentazione. Avendo stabilito una scuola di fotografia dedicata (all’interno del dipartimento di pubblicità) i due uomini svilupparono una cultura di sperimentazione d’avanguardia basata sulle due posizioni estetiche della scuola conosciute come la “Nueue Optik” (Nuova Visione) e la Neue Sachlichkeit (Nuovi obiettivi). In questo spirito, Moholy-Nagy produsse una serie di composizioni di nature morte che chiamò “fotogrammi” (creare immagini mettendo oggetti su carta fotografica ed esponendoli alla luce) che furono ispirati dai ben noti “Rayographs” di Man Ray. Peterhans, nel frattempo, era meglio conosciuto per le sue immagini di natura morta di oggetti quotidiani di cui rivelava le forme e le texture attraverso accurate strategie di illuminazione che conferivano ai suoi oggetti un effetto ultraterreno.
