Fare buona fotografia: credo sia l’obiettivo comune di tutti noi fotografi, nonché il nostro punto di arrivo, dopo anni e decenni di fotografie scattate. Fare buona fotografia è qualcosa che non sappiamo quando e se mai avverrà, anche perché, quali giudici di noi stessi, tendiamo sempre a vedere il peggio nelle immagini che abbiamo catturato.
Eppure, fare buona fotografia, è qualcosa alla portata di tutti ed è basata su pilasti, o cardini che dir si voglia: Ispirazione, Creatività e Visione fotografica. Fare buona fotografia significa applicarsi con estro, e non spendere migliaia di euro per dell’attrezzatura del tutto inutile. Fare buona fotografia è possibile anche con una banalissima point & shot: date on occhio alla nostra sezione dei fotografi che han fatto la storia della fotografia e rimarrete colpiti dalla quantità di persone che ha usato, appunto, delle macchinette da pochi soldi per ottenere capolavori passati alla storia.
In quest’articolo andremo nel dettaglio a eviscerare i concetti di Visione, Creatività e Ispirazione. Mettetevi comodi, con una bella tazza di tè ( o ciò che preferite) e buona lettura!
Narrazione
Guardo molta fotografia. Mi piace guardare le foto per molte delle stesse ragioni per cui piace leggere libri. Mi aiuta a migliorare il mio mestiere.
Incontro molti problemi di fotografia legati alla visione (e NON sto parlando del fatto che ora ho bisogno sia di guidare che di occhiali da lettura). Vedo foto in cui non sono sicuro di ciò che il fotografo stava cercando di realizzare. In questi casi mi piace giocare al dottore e ho una semplice prescrizione: Diventa un narratore piuttosto che un fotografo.
Perché raccontare storie con la macchina fotografica? Beh, per prima cosa, le persone che guardano le foto si divertono a guardare una storia in un’istantanea ogni giorno. Raccontare storie con la macchina fotografica ti costringe a rallentare e a pensare a quello che stai facendo. Cosa c’è in questa scena che ti fa venire voglia di fare una fotografia? Cosa ti muove o attira il tuo sguardo? C’è un punto di vista che vuoi catturare e conservare?
Fare questo tipo di domande porterà quasi sempre a una fotografia migliore. Infatti, se volete fare UN’UNICA cosa in QUESTO ANNO che migliorerà significativamente la vostra fotografia, fate questo: raccontate storie piuttosto che scattare istantanee.
Se hai bisogno di aiuto per arrivare al punto di essere un narratore, puoi usare un esercizio di visione di cui parlo spesso, chiamato SAS – che sta per Soggetto, Attenzione, Semplificazione.
Usando l’approccio SAS, mi avvicino ad ogni scena chiedendomi qual è il SOGGETTO di questa foto. C’è una vera e propria tentazione di semplificare eccessivamente. Non sto semplicemente dicendo che posso identificare l’oggetto su cui sto puntando la fotocamera. Sto parlando della storia che si cela dietro l’immagine. Se una foto funziona molto bene come storia, non ho bisogno di una didascalia.
Una volta che ho il mio soggetto. Ora devo prestare ATTENZIONE ad esso . Questa è la “A” di SAS. Questa tecnica può aiutarti a raccontare la tua storia. Ti costringo a concentrarti, sia in senso assoluto che figurato, su ciò che è importante nell’inquadratura.
Per attirare l’attenzione sul soggetto, spesso scatto quasi completamente aperto con un obiettivo lungo. Ho scattato con una profondità di campo ragionevolmente stretta per aiutare a sfumare lo sfondo. In questo modo l’attenzione viene automaticamente focalizzata sul soggetto in primo piano. Uso un obiettivo lungo perché mi aiuta a isolare il soggetto. Questo è solo un esempio, ma si spera che mi aiuti.
Mi piace che ogni buona storia abbia un inizio, una parte centrale e una fine, che ogni buona fotografia abbia un modo ovvio per attirare l’attenzione dello spettatore, qualcosa che lo attiri una volta arrivato, e un posto dove andare quando ha finito.
L’ultima parte di SAS è la SEMPLIFICAZIONE. È la parte più importante del regime SAS: la differenza tra un professionista e un fotografo amatoriale è che il professionista sa cosa non includere nella foto.
Quando si sta componendo un’immagine, prendetevi un momento per guardarvi intorno alla f rame e chiedetevi. Questa cosa è necessaria per raccontare la mia storia? Fa parte di ciò che mi ha veramente attratto dell’immagine? Se vedi una cascata che passa davanti a un masso e la lotta per il potere tra il masso e l’acqua è la tua storia, allora non è necessario includere la f rame, il cielo, l’erba, ecc. Includi solo ciò che è necessario per raccontare la tua storia e niente di più. Questo migliorerà immensamente la vostra fotografia e non vi costerà un nuovo equipaggiamento per farlo.
Nuovi punti d’ispirazione
Se la tua visione creativa ha colpito un muro o sei solo annoiato dalla tua fotografia, prendi in considerazione la possibilità di scattare con il formato panoramico.
Anche se la macchina fotografica panoramica è vecchia quanto la fotografia, io non ero a conoscenza della fotografia panoramica fino agli inzi del 2000. In un workshop fotografico, l’insegnante ha fatto incollare delle immagini sul muro che mi hanno tolto il fiato. Erano immagini panoramiche di scene naturali, e non riuscivo a smettere di guardarle. Fu allora che decisi di provare la fotografia panoramica.
Non tutte le situazioni si prestano alla fotografia panoramica. Ci sono però molte situazioni che richiedono viste panoramiche. I ritratti di gruppo, i paesaggi marini, le grandiose vedute panoramiche, l’architettura, gli stadi, gli skyline, le produzioni teatrali e i paesaggi urbani sono tutti soggetti panoramici popolari. È importante ricordare che vedere un’immagine panoramica comporta la scansione da un lato all’altro piuttosto che isolare un singolo aspetto dominante di una scena.
Di recente, le fotocamere panoramiche si sono fatte strada in situazioni meno convenzionali. Provate a fotografare un evento sportivo con una fotocamera panoramica. Oppure che ne dite di fare un ritratto ambientale che mostri realmente il soggetto nel suo elemento?
La sperimentazione è la chiave e, per fortuna, l’angolo di visuale che la maggior parte delle macchine fotografiche panoramiche offre è così diverso che la sperimentazione è facile.
Quando frequento o insegno in qualche workshop, mi unisco a gruppi di discussione su Internet, leggo riviste fotografiche o in generale chiacchiero con altri fotografi, sento la gente parlare di vedere le stesse vecchie immagini. Credo che la fotografia panoramica sia un ottimo modo per sconfiggere questa l ine di pensare. Noleggia, compra o prendi in prestito una macchina fotografica panoramica il prossimo fine settimana e vai a fotografare alcuni dei tuoi luoghi preferiti.
È anche possibile utilizzare strumenti digitali per cucire insieme le immagini e trasformarle in panorami.
Sono pronto a scommettere che il formato panoramico cambierà il vostro modo di vedere e vi aiuterà a creare nuove ed emozionanti immagini di luoghi vecchi e familiari.
Guardare
Perché un fotografo si lascia sfuggire un’opportunità che qualcun altro trasforma in una copertina di una rivista? Come si può imparare a vedere in modo creativo? Il manuale della macchina fotografica non risponde a queste domande. Ma con gli strumenti e il processo corretti, è possibile migliorare la propria visione fotografica.
Gli strumenti che aiutano i fotografi a vedere in modo creativo includono la pazienza, l’atteggiamento positivo e l’apertura mentale. Anche se la maggior parte delle persone possiede queste caratteristiche in una certa misura, di solito non ha il processo che tira tutto insieme. Nel vostro prossimo servizio fotografico, usate questi passaggi per migliorare la vostra visione fotografica.
- Eliminazione. La maggior parte dei fotografi identifica il proprio soggetto utilizzando uno schema logico. Di solito eliminano i tems f dal primo piano e dallo sfondo fino a quando qualcosa cattura la loro attenzione e fanno la fotografia. Sfortunatamente, la maggior parte dei fotografi elimina le cose fino a quando non rimane solo la scelta più ovvia. Poi si allontanano dal soggetto senza pensare ad altre opzioni. I fotografi che vedono in modo creativo stabiliscono delle routine che li portano a vedere altri modi di f f rodurre un soggetto. Un insegnante di fotografia mi ha insegnato inconsapevolmente proprio questo punto quando ha deciso: “Guarda in alto, guarda in basso e poi guardati intorno”. Cercava di farmi vedere la stessa materia in molti modi. Ancora oggi pratico il suo approccio. Un esempio: Stendersi a terra per cambiare prospettiva e usare un teleobiettivo aperto per comprimere lo sfondo e concentrare l’attenzione sul primo piano permette al fotografo di eliminare alcuni elementi che un fotografo in piedi non avrebbe altra scelta se non quella di includere.
- Evoluzione. Provate a sollevare la vostra fotocamera con incrementi di sei pollici da terra fino all’altezza massima del vostro treppede. Guardate attentamente il soggetto ad ogni livello. Questo approccio incrementale per realizzare diverse fotografie dello stesso soggetto è un perfetto esempio di visione creativa evolutiva. Fate molti piccoli perfezionamenti alla vostra composizione per avere la migliore possibilità di vedere gli scatti migliori. Questo approccio è particolarmente prezioso quando si fotografano soggetti familiari.
- Reinvenzione. Alla fine del 1800, il capo dell’Ufficio Brevetti degli Stati Uniti consigliò al Congresso di chiudere l’Ufficio Brevetti per risparmiare denaro. Decise che tutto ciò che valeva la pena inventare era già stato inventato. Questo è l’opposto del pensiero creativo. C’è sempre un modo diverso o migliore di fotografare ciò che è stato fotografato prima. Basta “vederlo”. Un esempio: Usare la messa a fuoco selettiva per attirare l’occhio sulla scena piuttosto che concentrarsi solo in generale sul soggetto più ovvio.
- Rivoluzione. Come fotografi dobbiamo avvicinarci ai nostri soggetti fotografici dalla prospettiva interna/esterna se vogliamo vedere in modo creativo. Capovolgere il problema (o il soggetto). Dopo che la graffetta è stata inventata, qualcuno ha creato la pinzatrice. Questa lezione può essere applicata alla fotografia. Per esempio, quando si cerca di dare forma alla luce per un ritratto, invece di usare gli stroboscopi, provare a usare gli scrims. Oppure provate a fare il vostro prossimo paesaggio sia orizzontalmente che verticalmente. Qual è meglio?
- Sintesi. Pensate a questo come al metodo di esposizione multipla per vedere in modo creativo. Combinate più idee (apparentemente correlate o meno) per creare un’unica immagine. Ansel Adams ha fatto questo cercando sempre di mettere un oggetto interessante sia in primo piano che sullo sfondo. Pensate a cose che mi piacciono gli audiolibri, le sale da pranzo e i film. Tutto questo è stato inventato come risultato di un pensiero sintetico. Come si può applicare questa forma di pensiero alla creazione di immagini? Che ne dici di mettere una canoa in un campo di grano per illustrare le “onde ambrate di grano”? Oppure giustapporre due cose che apparentemente non appartengono alla realtà. Provate a mettere una squadra di basket in uniforme in piscina per il ritratto della squadra. Esempio: accentuare un oggetto nella scena che si vuole attirare l’attenzione usando luce o ombra.
- Ricominciare da capo. Usate cose che sono state inventate per uno scopo, e forse anche scartate, per uno scopo nuovo di zecca. Buttate via tutte le regole e vedete cosa riuscite a vedere. Forse fotograferete il vostro prossimo soggetto mentre siete sdraiati sulla schiena. Forse sarebbe una buona idea fotografare sl ide f i lm in una situazione che normalmente richiede stampe. Questo tipo di pensiero ha portato a recenti slanci nell’elaborazione incrociata, nella messa a fuoco selettiva e nella tonificazione del colore, piuttosto che a fotografie monotone. Ora sono tutte molto popolari tra le riviste, ma sono state pubblicate a sinistra quando sono state applicate per la prima volta. Tra le altre possibilità vi sono le tecniche più tradizionali, l’uso del colore come soggetto, l’uso della linea, della forma o della forma per attirare l’occhio dell’osservatore verso il soggetto.
- Nuove direzioni. Nuove direzioni. Provate un’angolazione nuova di zecca, sia dal punto di vista tecnico che da quello estetico. Provate tutti i vostri obiettivi. Scatta da prospettive diverse. Cambia formato. Forse il tuo scatto sarebbe bello come panoramica? Scatta uno scatto rettangolare come se fosse quadrato. Concentrate tutta la vostra attenzione sull’opportunità. Lasciate che il processo si svolga da solo. Non avvicinatevi alla vostra composizione come se la soluzione fosse più importante del risultato. Usate una rete f ish come diffusore per ottenere un bel look morbido. Impazzite e provate cose nuove.
Raccontare
Mi piace lavorare con i nuovi fotografi. Recentemente ho avuto l’onore di lavorare con diversi studenti delle scuole superiori. Erano entusiasti, energici, pieni di entusiasmo e desiderosi di imparare. Hanno anche portato una prospettiva f resh alla fotografia che mi ha stupito.
Parlando con tutti loro sono rimasto colpito dalla somiglianza delle loro domande – la maggior parte delle quali ha a che fare con l’attrezzatura. Che macchina fotografica dovrei comprare? Di quanti obiettivi ho bisogno? Ecc. A queste seguivano domande del tipo: “Cosa devo fotografare?
A ognuna di queste domande ho risposto in un modo che temo possa averne f rustrato alcune. Ciononostante – ho pensato che fosse importante guidarli con delicatezza sulla strada giusta fin dall’inizio.
In ogni caso, ho risposto con quattro piccole parole: ” Raccontami la tua storia”
TUTTE le comunicazioni e TUTTI i media – siano essi incentrati su radio, televisione, film, blog, podcast o fotografia – ruotano intorno alla storia. La storia è tutto. Se lo capisci, sarai un fotografo migliore.
Sia la storia del fotografo che la storia del soggetto hanno un impatto sulla fotografia. La storia del fotografo è importante perché riguarda ciò che ha da dire. I grandi fotografi hanno bisogno di raccontare la loro storia o quella di qualcun altro. E la storia del tuo soggetto è ciò che fa sì che la gente si preoccupi delle tue immagini.
Quindi ricordate….. non concentratevi sull’attrezzatura, o sulla tecnica – concentratevi sulla narrazione. Il resto si prenderà cura di se stesso.
Creatività
La creatività è un grande concetto. Come fotografi, spendiamo così tanto tempo a combattere la fatica dell’aggiornamento, ad imparare nuovi software, ad elaborare nuove tecniche che spesso abbiamo molto poco tempo per la creatività. Ma il solo fatto di prendere nota del fatto che dobbiamo pensare alla creatività non è sufficiente. Come si fa?
Ognuno si muove in modo creativo in modo diverso. Quello che funziona per me potrebbe non funzionare per te, ma condividerò questi pensieri sulla creatività con la speranza che ti aiutino a concentrarti su qualcosa che non sia il prossimo obiettivo che pensi di voler comprare.
Per me, la creatività consiste nell’eliminare i limiti artificiali. E penso che la maggior parte dei limiti siano autoimposti. Più precisamente, questi l imiti sono direttamente legati alla bassa autostima. Ora so che forse stai pensando: cosa c’entra con la creatività? Secondo la mia esperienza, molto.
Ci mettiamo delle scatole intorno a noi stessi e prendiamo decisioni che ostacolano la nostra crescita perché spesso, come artisti, non crediamo veramente in noi stessi. Quante volte hai pensato di fingere? O hai mai dato per scontato di non essere abbastanza bravo? Questi pensieri uccidono il tuo spirito creativo e quando interrompi quel comportamento inizi a intraprendere un percorso più creativo.
Il processo creativo può iniziare ad aprirsi una volta che hai solo fiducia in te stesso. Se ti metti in grado di provare qualcosa di diverso e ti dai il permesso di fallire, diventi più creativo. Non fate delle metriche di successo o di fallimento le linee guida con cui procedete. Fate invece della sperimentazione, dell’espressione e della gioia la metrica.
Il secondo grande punto di contatto per me è l’autenticità nel mio lavoro. Se iniziate a guardare all’autenticità, piuttosto che all’originalità, diventerete più creativi. Questo concetto l’ho imparato meglio da Giovanni Paolo Caponigro. Parlava di altre forme d’arte e diceva che in Asia, per esempio, gli artisti non si preoccupano di trovare qualcosa di nuovo, lavorano all’interno di una forma esistente e cercano di espandersi. Quando leggo i forum fotografici, i fotografi più giovani sembrano battere il petto più forte e proclamano la loro creatività semplicemente perché hanno fatto qualcosa di “nuovo”. Di solito quello che hanno fatto non era affatto nuovo, ma piuttosto nuovo per loro. Ma non importa. Preoccuparsi di fare qualcosa di nuovo finisce per stordire e assopire la nostra crescita creativa. Essere creativi NON richiede di fare qualcosa di nuovo. Richiede di fare qualcosa che sia autenticamente la tua vera visione personale e reale. Se togliete qualcosa da questo post del blog, spero che sia questo.
Infine, la creatività è una questione di scelte. Le scelte possono spesso basarsi su alcune dinamiche che si basano sulla tensione, la giustapposizione, il conflitto e la risoluzione. Sono buoni strumenti in un ambiente creativo. Ma a volte si impara la maggior parte delle proprie idee creative dalla pura sperimentazione. La musica libera – chiamata jamming – spesso permette ai musicisti di ottenere i loro suoni migliori. Gli scrittori usano l’associazione e il brainstorming per trovare le loro parole migliori. Perché i fotografi non dovrebbero usare il loro marchio di sperimentazione visiva per trovare la loro creatività visiva?
Per riassumere – se vuoi essere più creativo, inizia ad amare te stesso abbastanza da darti il permesso di fallire. Anzi, meglio ancora, non preoccupatevi nemmeno di vincere o perdere. Basta FARE.
Non concentratevi sul NUOVO – concentratevi sull’autentico. Essere originali non è essere nuovi – è essere te. Andate là fuori e fate la marmellata. Provate questo e quello e poi invertite tutto. Impazzire. Fate qualcosa che non avete mai provato.
Chiarezza
Ho giudicato ad un po’ di concorsi fotografici. Critico regolarmente anche le foto. Quando un fotografo si mette davanti a me e sente il bisogno di spiegare la sua foto, so di essere nei guai.
Vedi, se hai una vera visione fotografica, hai chiarezza e se hai chiarezza, non hai bisogno di spiegare o difendere le tue immagini. La chiarezza riguarda le emozioni o i sentimenti che l’immagine cerca di evocare, non i fatti dietro l’immagine.
La chiarezza fotografica riguarda la passione di uno scopo. Riguarda il desiderio di proteggere un ricordo. Si tratta di raccontare una storia con una macchina fotografica così potente che non sono necessarie parole. La chiarezza fotografica riguarda la libertà di esprimere la VOSTRA visione con una macchina fotografica in un modo che muove gli altri.
Quindi non pensate solo a fare un’immagine che il pixel che fa capolino al club della macchina fotografica noterà come nitida. Fanne una che muova le persone ovunque per capire la tua visione.
Più ispirazione
Per essere un fotografo professionista, bisogna sapersi ispirare. Il coraggio e la tenacia non saranno sufficienti. Avrete continuamente bisogno di essere ispirati. Il luogo da cui trarre ispirazione è una scelta personale. Ho deciso di condividere alcune delle cose che mi hanno ispirato nel corso degli anni, nella speranza che troviate qualcosa nella lista che vi ispira.
- Guardare un film. Sì, questo è uno di quei rari momenti in cui ti è permesso di rilassarti! Guarda un film. Studiare o semplicemente vivere l’esperienza. C’è sempre la possibilità che qualcosa attiri la tua attenzione.
- Leggere un libro. Afferra qualcosa di leggero e divertente o di profondo e profondo e di provocante. Ma leggete. Qualunque cosa vi piaccia.
- Imparare un nuovo hobby. Distogliete la mente dal mondo e imparate un nuovo hobby. Lo spazio extra che questo crea nel vostro cervello potrebbe portare a una grande ispirazione. Suggerimenti? Eccone uno stravagante. Imparate a usare uno Yo-Yo. Sì, sembra facile, ma per farlo bene ci vuole un po’ di fortuna, affinità e abilità. Credetemi, la fotografia sembrerà facile dopo aver provato a padroneggiare lo Yo-Yo.
- Studia e chiedi perché. Guardate le fotografie dei fotografi che ammirate. Ma invece della solita reazione “Oh che figata” – sforzatevi di sapere perché. Chiediti ” Perché hanno fatto questa immagine? Perché risuona in me? Perché questo è visivamente stimolante o arrestante o importante?”. PERCHÉ è uno degli strumenti di ispirazione più importanti là fuori. La gente farà cose folli se il PERCHÉ è abbastanza buono.
- Guarda la televisione spazzatura. Ok, ammetto che questo è al limite, ma per me funziona. Una delle cose che impedisce a molti di noi di essere ispirati è l’essere abbattuti o depressi. Tutto quello che devi fare è guardare 10 minuti di qualcosa di demenziale o uno spettacolo simile per capire quanto sei bravo. Ti garantisco che dopo ti sentirai meglio e se esci subito con la macchina fotografica, vedrai un sorriso nelle tue foto.
Questi sono solo alcuni dei modi in cui mi ispiro. Provateli e vedete se vi aiutano.
Invisibilità
Jonathan Swift ha detto… “La visione è l’arte di vedere ciò che è invisibile agli altri“. Questa citazione mi ispira ogni giorno come fotografo. Camminando vicino a un boschetto di alberi, vedo le cose in modo diverso rispetto ai miei non fotografi. Vedono un ciuffo di alberi. Vedo l’erba sotto gli alberi, gli uccelli nei loro nidi sui rami, l’intricato disegno nella corteccia, la forza del tronco, le forme delle radici, i diversi colori e tonalità delle foglie, il modo in cui le ombre cadono attraverso il bosco, l’angolo della luce che colpisce la chioma, l’ombra che l’albero fa sul r iver sottostante, l’ombra che il ramo segue dal tronco, ecc.
Quando i fotografi guardano il mondo, guardano attraverso un obiettivo speciale: è una specie di filtro che setaccia l’importanza di una cosa o di un’altra. Questa capacità di vagliare e ordinare, di includere ed escludere, di perforare la carne della scena, è ciò che comprende la visione del fotografo. Mi piace pensare che tutti possiamo usarne di più.
Ecco un esercizio di visione che non richiede una macchina fotografica. Provate a descrivere qualcosa (mi piace un albero) come se steste descrivendo a un cieco che non ha mai ricevuto il dono della vista. Poi vai a fotografare come se quella foto fosse l’unica mai vista di un albero.
Nuovo
Mi disturba l’incessante ricerca di qualcosa di “nuovo” da parte dei fotografi più giovani. Non fraintendetemi. Io amo l’innovazione. L’ho dimostrato. Nessuno sta al passo con il cambiamento delle comunicazioni e delle tecnologie fotografiche più di me.
Ma quando sento i nuovi fotografi dire cose che mi piacciono, “Ah, questo è vecchio e rosso”. Voglio provare qualcosa di nuovo…”. Sono preoccupato. Mi chiedo se, nella ricerca del nuovo, si dimentica la parte più importante dell’essere creativi. Per essere cool non devi essere nuovo – devi essere TU!
E’ semplicemente… autentico fare qualcosa di autentico solo perché è nuovo – se non lo senti nel tuo cuore. Ho visto un bellissimo ritratto durante un concorso al quale ho preso parte. Mentre i più giovani avrebbero potuto definirlo “vecchio stile”, io l’ho definito “classico”. Ha ottenuto un ottimo punteggio e avrebbe dovuto. Sono sicuro che il creatore ne era orgoglioso, sono sicuro che il soggetto del ritratto e la sua famiglia l’hanno adorato.
Eppure, ho sentito una giovane donna ridere alla foto perché il fotografo ha usato uno sfondo di mussola dipinta. Stava passando una giornata campale ad attaccare sia l’immagine che il creatore di immagini perché era un tale “cliché”? Davvero? I suoi capelli blu erano una specie di cliché. Dico sul serio. Solo perché fai uno spettacolo di te stessa ala Lady Gaga o Paris Hilton, questo non ti rende cool o nuova. E’ il talento sotto tutti i tatuaggi, gli abiti fatti di carne, i colori dei capelli che sono fuori dallo spettro RGB, ecc. che conta. Capisco la necessità di distinguersi. E non mi interessa davvero di che colore sono i tuoi capelli o quanti tatuaggi hai. Quello che mi interessa è se le tue fotografie rappresentano o meno la tua vera visione. Mi interessa l’artista sotto tutti gli ornamenti. Se ti aspetti che io rimanga impressionato dal tuo abbigliamento o dal tuo atteggiamento oltraggioso, scordatelo. Ormai è noioso.
Voglio che usi la tua macchina fotografica per raccontare una storia così commovente che le tue immagini mi arrestano. Voglio vedere che tu riversi il tuo cuore e la tua anima in un’immagine. Voglio vedere che hai cercato di usare la tua macchina fotografica per comunicare con qualcuno.
Non fatevi ingannare dal fatto che in realtà state facendo qualcosa di “nuovo”. Perché la maggior parte delle volte non è così. Potrei essere nuovo per te, ma è quasi certamente già stato fatto da qualcun altro, da qualche altra parte, forse anche molto prima del tuo tempo.
Ricordo quando i ritratti fuori fuoco erano di gran moda. Poi c’era l’anello che suonava. Poi c’erano i toni sdoppiati. Poi c’era l’elaborazione incrociata. Non importa quale espediente usiate. La maggior parte delle persone che usavano queste tecniche quando erano poco conosciute, non avevano idea che non fossero nuove. La tecnica e l’espediente possono a volte intralciare l’immagine.
Ciò che conta, tutto ciò che conta, sono le fotografie che si creano. Le immagini sono ciò che conta. Sono ciò che dura. Sono protettori della memoria. Sono storia per i popoli del futuro. 500 anni da adesso, quando sarai morto e sepolto. Nessuno saprà quanto eri oltraggioso, quanto eri nervoso o quanto eri figo. Ti giudicheranno semplicemente in base al tuo lavoro.
Non ti piacerà la fotografia “vecchio stile”. Questo è il vostro diritto. Ma assicuratevi di non cercare di essere nuovi solo per il gusto di essere nuovi. La finta indignazione, il finto dramma, il finto atteggiamento possono farti guadagnare punti da qualche parte – ma non qui. Non nel mondo in cui vive la fotografia.
Se volete usare uno sfondo di mussola dipinta, fatelo. Senza remore. Assicuratevi solo che sia una VOSTRA idea – che ci sia TU dietro a tutto questo, non un vano tentativo di essere oltraggioso o diverso o nuovo per il nuovo. Le tue immagini saranno molto più potenti e il rispetto che la gente ha per te e per il tuo lavoro sarà molto più grande.
Di nuovo creatività
Ultimamente ho avuto alcune discussioni approfondite con altri fotografi sulla necessità che i tiratori sviluppino una buona tecnica. Nel bel mezzo di queste discussioni mi sono ricordato di una cosa che mi è venuta in mente durante il mio unico corso d’arte al college: non c’è tecnica senza espressione.
Il mio insegnante d’arte credeva che praticamente chiunque volesse davvero imparare la tecnica necessaria per fornire risultati decenti in qualsiasi impresa artistica. L’ho visto con i miei occhi. Quando insegnano ai fotografi nuovi di zecca, essi salgono molto rapidamente la scala da uno a nove gradini. Acquisiscono una tecnica decente se si applicano. Ma andare dal nono al decimo gradino è un animale diverso.
La tecnica porta all’abilità artigianale se hai davvero talento e ti applichi davvero. E agli occhi del mio insegnante d’arte, il passo successivo è l’espressione. Il mio insegnante diceva che bisogna imparare la tecnica non in e di se stessi, ma come mezzo di espressione. È stato in questo momento che ho iniziato a sviluppare la mia lunga teoria secondo cui il fotografo creativo è davvero un narratore. È qui che mi è nata questa idea. È molto eterea. Alcuni di voi forse ora mi stanno facendo gli occhi dolci dicendo: “Non un altro post sulla narrazione! Ma credo che questo sia importante. Penso anche che sia molto difficile da descrivere, figuriamoci insegnare. Da qui, il motivo del post di oggi.
Il mio compito per voi è semplice. Non imparate solo la tecnica della macchina fotografica o della fotografia. Imparare l’i t come parte di un mezzo per raggiungere un fine. Imparate l’i t in modo da poter esprimere più pienamente la vostra visione interiore, autentica. Vedi ciò che hai bisogno di vedere. Esercitatevi nel vostro medium. Sviluppate la tecnica e poi pensate a ciò che è importante per voi. Il passo successivo è sviluppare l’artigianato e QUINDI sarai sulla strada per esprimerti veramente, onestamente e apertamente come fotografo.
