Cos’è la visualizzazione in fotografia? Non riesco a pensare a un modo migliore per rispondere a questa domanda se non quello di condividere una serie di citazioni del più grande fotografo e maestro mai vissuto, Ansel Adams:
- “La visualizzazione è un processo consapevole di proiettare l’immagine fotografica finale nella mente prima di muovere i primi passi per fotografare il soggetto“.
- “Il termine visualizzazione si riferisce all’intero processo emotivo-mentale della creazione di una fotografia, e come tale è uno dei concetti più importanti della fotografia”.
- “Visualizzare un’immagine (in tutto o in parte) significa vederla chiaramente nella mente prima dell’esposizione, una proiezione continua dalla composizione dell’immagine fino alla stampa finale”. La visualizzazione è vista più accuratamente come un atteggiamento verso la fotografia . . . .”
- “Il primo passo verso la visualizzazione – e quindi verso l’interpretazione espressiva – è quello di prendere coscienza del mondo che ci circonda in termini di immagine fotografica. Dobbiamo esplorare ciò che si trova sotto i nostri occhi per il suo significato, la sua sostanza, la sua forma, la sua consistenza e il rapporto dei valori tonali. Dobbiamo insegnare ai nostri occhi a diventare più perspicaci”.
- “Sono convinto che i migliori fotografi di tutte le convinzioni estetiche ‘vedano’ la loro fotografia finale in qualche modo prima che sia completata, sia per mezzo di una visualizzazione cosciente, sia attraverso un’esperienza intuitiva comparabile”.
A mio modesto parere queste affermazioni incarnano una delle filosofie più profonde della storia della fotografia. Ansel Adams ha scritto e istruito a lungo sul processo di visualizzazione. Lo considerava un processo cosciente, intuitivo ed espressivo che inizia come un costrutto artistico nella mente che il fotografo traduce deliberatamente e fisicamente in un’espressione visiva e tangibile di quel costrutto. In effetti, Adams, insieme al movimento chiamato Group f/64, è ampiamente accreditato per aver trasformato la fotografia da una resa pittorialista di un soggetto su carta fotografica in una forma d’arte fotografica modernista caratterizzata da un’enfasi sulla composizione, sul dettaglio, sulla forma e sulla texture.
Naturalmente, nei suoi libri Adams scrive molto di più sulla visualizzazione e si concentra molto sull’apprezzamento della struttura, della forma e della forma, nonché sulle manipolazioni tecniche degli strumenti del mestiere che culmina nella stampa, il prodotto finale della visualizzazione. Nei decenni passati da quando Adams ha gettato le basi di questa filosofia e ha contribuito a trasformare fondamentalmente la fotografia in una vera e propria e rispettata forma d’arte, i fotografi continuano a usare questo approccio in qualche forma secondo il proprio stile o la propria persuasione, molti forse non se ne rendono nemmeno conto consapevolmente.
Altri aspiranti fotografi, senza dubbio, lottano in questo processo, in particolare nel fare il primo passo consapevole e tangibile nel tradurre l’immagine nell’occhio della mente in un’esposizione, ovvero la formazione della composizione. Come spiega Adams nei suoi libri, il processo di visualizzazione può essere un processo naturale e senza sforzo per il fotografo, mentre per altri possono essere necessari anni di pratica e sperimentazione prima di poterne prendere il comando e il controllo. Il processo di concepire e vedere l’immagine nella mente, riconoscere e apprezzare il suo significato fisico e/o emotivo, e manipolare gli strumenti fisici a portata di mano del fotografo per creare l’immagine finale rappresentano l’imperativo artistico e tecnico che permea gli insegnamenti di Adams e che mantiene il suo significato storico e pratico negli oltre 30 anni dalla scomparsa di Adams.
Come la maggior parte di noi già comprende e apprezza, Ansel Adams è stato un fotografo paesaggista e naturalista incomparabile, un appassionato ambientalista e un campione del sistema dei Parchi degli Stati Uniti, anche se ha svolto un lavoro eccellente con nature morte e ritrattistica. Dato il particolare interesse di Adams per la fotografia, il suo stile e gli strumenti del mestiere del suo tempo, il processo di visualizzazione si presta chiaramente al fotografo contemplativo, che si diletta nel perseguire un approccio lento e deliberato alla formulazione di un’immagine nella mente, interpretando quell’immagine visiva e traducendola in una stampa che trasmetta al meglio ciò che il fotografo vedeva e sentiva all’epoca.
Per quei fotografi che non fotografano paesaggi, architetture, fotografie o ritratti il cui imperativo e interesse risiede nel catturare il movimento dove c’è poco tempo per la contemplazione, direi che il concetto puro di visualizzazione rimane rilevante per questi particolari sforzi e per qualsiasi altro campo della fotografia.
Negli oltre 80 anni da quando Adams ha intrapreso il suo epico viaggio nella fotografia, il mondo ha visto grandi cambiamenti socioeconomici e tecnologici che hanno profondamente trasformato il mondo. Per quanto riguarda i progressi della fotografia, Ansel Adams ha commentato in modo interessante alcuni di questi cambiamenti e ha reagito favorevolmente, tra cui l’automazione delle macchine fotografiche e le prime fasi dell’invenzione della macchina fotografica digitale, di cui Adams ha anche dichiarato il suo interesse e riconosciuto le possibilità e le applicazioni future.
Considerati i progressi tecnologici che il mondo della fotografia ha visto negli ultimi 30 anni, l’evoluzione di una società in rapida evoluzione, la sete di gratificazione immediata, la ricerca individuale per l’acquisizione di nuove attrezzature fotografiche e l’aggiornamento continuo delle attrezzature, e la relativa scomparsa degli insegnamenti classici della fotografia di oggi, direi che il processo di visualizzazione gioca un ruolo più critico nello sviluppo del fotografo moderno di quanto non abbia mai fatto. Senza un’abile traduzione della visualizzazione e la creazione di una composizione convincente, la costruzione di una fotografia significativa non può essere realizzata. Spero che molti dei miei colleghi fotografi, giovani o anziani, dilettanti o professionisti, analogici o digitali, siano d’accordo con questa affermazione.
Oggi, paradossalmente, gli interessanti ed entusiasmanti progressi della tecnologia delle fotocamere e degli obiettivi possono avere un effetto negativo sulla visualizzazione. Per esempio, l’automazione (ad esempio, la messa a fuoco, la misurazione, l’esposizione, la visione immediata di un’immagine) ha certamente i suoi vantaggi e le sue applicazioni, ma la considero uno dei miei racconti personali preferiti “amici o nemici” nella fotografia (questo è un potenziale soggetto di un futuro articolo), l’automazione può potenzialmente inibire la mentalità soggettiva e creativa e influenzare negativamente il processo di valutazione oggettiva nella costruzione della fotografia nella mente nella creazione della composizione. La tendenza crescente e inquietante tra i fotografi dilettanti e professionisti di spendere preziose energie mentali (per non parlare dei salari e dei risparmi duramente guadagnati) ossessionati da specifiche tecniche, come la velocità e la precisione dell’autofocus, le velocità di microprocessori, i buffer, la risoluzione della nitidezza, i grafici MTF, il rumore, i pixel (la lista è apparentemente infinita) a scapito della canalizzazione dei processi di pensiero critico e della creatività in una composizione è controproducente.
Direi anche che le sovrapposizioni psicologiche di una società frenetica ed esigente esercitano allo stesso modo forze controproducenti sul fotografo moderno, il che significa meno tempo, o peggio, meno interesse, per contemplare, per costruire una composizione significativa, per affinare le competenze di base dei successivi sforzi coscienti (ad esempio, esposizione, sviluppo, elaborazione, stampa), e per eseguire una valutazione auto-valutativa e oggettiva dei propri sforzi e delle proprie imprese. Oggi, raramente vedo riferimenti o discussioni, sia on-line, sia in articoli stampati, sia nel portfolio di un fotografo, lo stile contemplativo di un fotografo nel processo di visualizzazione o una spiegazione di come e perché una particolare composizione funziona o come può essere migliorata; e anche se c’è un commento valutativo di questo tipo, sembrerebbe essere vago o evolvere rapidamente in una descrizione tecnica.
Anche in questo caso, ciò non significa che il fotografo moderno non pratichi la visualizzazione in modo competente o creativo nelle sue imprese. Fotografi esperti e di talento lo fanno in qualche modo ogni giorno. Il problema che vedo è che il discorso in fotografia e la formazione del fotografo aspirante e impressionabile si è apparentemente radicato in un’enfasi eccessiva sugli strumenti tecnici della visualizzazione, con una forte implicazione che la macchina fotografica e l’obiettivo determinano soprattutto il successo della visualizzazione e la creazione di una forte composizione ed esposizione e un’enfasi sulla visione artistica, la creatività, le capacità compositive, la ricerca e la manipolazione della luce. Senza una comprensione dei fondamenti della creazione di una composizione forte e convincente (riconoscere mentalmente la forma, la forma, il modello, la disposizione, l’inquadratura e le interrelazioni), allora gli strumenti fisici che si usano in queste ultime fasi non aiutano il fotografo a raggiungere il suo obiettivo, non importa quanto avanzati e di alto livello possano essere questi strumenti.
Questo approccio distorto alla fotografia, a mio parere, compromette la visualizzazione e ostacola la crescita del fotografo. Io sostengo che il più grande margine di miglioramento in questo processo di crescita risiede nella capacità compositiva. Devo ammettere che io stesso sono stato vittima di questo buco nero all’inizio delle mie imprese fotografiche, ma sono riuscito a sfuggirgli… In effetti, molti autori moderni hanno già scritto su questo scoraggiante problema, compresi i collaboratori di Photography Life. Sharif ha condiviso questo articolo sull’attrezzatura contro l’abilità e sulla sfida a se stessi per migliorare. Molti autori hanno anche scritto articoli su come migliorare le capacità compositive, tra cui un’eccellente serie di Romanas Naryškin. Tuttavia, sento che c’è ancora molto lavoro da fare in questo sforzo. Superare un’enfasi massiccia, apparentemente calcolata, high-tech, ed egregiamente mal riposta sull’attrezzatura per migliorare la qualità e i meriti della propria fotografia al fine di ripristinare l’equilibrio e l’enfasi sul processo fondamentale della visualizzazione è un compito formidabile, ma può essere fatto.
Quindi, dopo questa introduzione alla storia del concetto di visualizzazione e una breve discussione sui temi moderni che minacciano di far deragliare il concetto, passiamo a discutere di uno strumento molto semplice, sottovalutato e forse dimenticato nel processo di visualizzazione che può migliorare la vostra abilità compositiva. Personalmente, sono giunto alla conclusione che ci sono solo tre cose che determinano il successo di una fotografia: la visione artistica, la luce e l’abilità del fotografo.
E’ qui che tutto inizia e finisce. Non passa un giorno o una fotografia in cui non pensi a questa triade filosofica nel contemplare la mia prossima fotografia. È un concetto all’interno della visualizzazione che guida i miei processi di pensiero e la mia metodologia, mi ispira e mi mantiene onesto.
Tradizionalmente, ho sostenuto con fermezza che l’attrezzatura e gli strumenti in sé e per sé non rendono le tue fotografie migliori di quanto non siano già o non siano destinate ad essere. Considerate che alcune delle più grandi fotografie mai realizzate sono state costruite con macchine fotografiche, obiettivi e altri strumenti che sono stati prodotti prima che tutti noi nascessimo. Infatti, quegli stessi strumenti d’epoca degli inizi e della metà del XX secolo vengono ancora oggi utilizzati per realizzare fotografie straordinarie (anche questo è un argomento allettante per un futuro articolo).
Ho sempre sostenuto che la triade di cui sopra è impermeabile all’essenziale attrezzatura che si porta dietro: la macchina fotografica e l’obiettivo. Naturalmente, si può sostenere che la luce in questa triade è di per sé uno strumento che può essere lavorato e manipolato, sia che la luce provenga dal sole o da una fonte artificiale, come un flash o un’unità stroboscopica, che può essere considerata “attrezzatura”.
Sono certamente d’accordo con questa argomentazione. Inoltre, si può anche sostenere che l'”ultima e più grande” attrezzatura fotografica rende più facile per il fotografo creare fotografie in condizioni rigorose e impegnative che altrimenti non sarebbero possibili. In generale sono d’accordo anche su questo, ma vorrei anche sottolineare che i meriti complessivi del prodotto finale non sarebbero diversi da quelli di una fotografia realizzata con una macchina fotografica o un obiettivo “inferiore”.
Ciononostante, farei una notevole eccezione a questa triade. Direi che se ci fosse uno sforzo consapevole nell’intero processo di visualizzazione, uno strumento sottovalutato che può migliorare la qualità e il merito complessivo della vostra fotografia, allora sarebbe la scheda di composizione, o la scheda di composizione. La scheda di composizione è stata per decenni uno strumento strumentale e rispettato nel tempo per i fotografi e continua ad essere usata oggi da fotografi abili e contemplativi.
È interessante notare che da quando faccio fotografia, non ho ancora visto la scheda di composizione utilizzata dai fotografi nella pratica. Nei workshop di fotografia, raramente incontro un riferimento all’uso della scheda di composizione nella realizzazione di una fotografia.
