Cos’è la fotografia? La ‘fotografia’ (letteralmente tradotta come ‘disegno con la luce’) è essenzialmente una combinazione di tecnica e osservazione visiva: è un’invenzione magica che crea illusioni 2D del mondo 3D. Per fare fotografie di successo è necessario combinare lo sviluppo di delle tue abilità tecniche insieme all’esplorazione del tuo stile visivo creativo – si impara molto da guardando la storia della fotografia e trovando fotografi di cui si ammira il lavoro per iniziare a sviluppare il proprio modo di vedere. Imparare gli aspetti tecnici della fotografia richiede tempo e dovrebbe essere fatto passo dopo passo: una volta che hai raggiunto un certo livello sei pronto a mettere queste abilità in uso in modo creativo. Le fotografie interessanti hanno bisogno di idee dietro di loro oltre ad avere un forte contenuto visivo e un talento tecnico, e guardare il lavoro di altri fotografi lavoro di altri fotografi è un modo eccellente di pensare alle idee per le fotografie. La conoscenza tecnica per il fotografo è un mezzo per un fine visivo, qualcosa che permette un migliore controllo e fiducia in se stessi fiducia nell’ottenere ciò che si vuole dire.
Cos’è la fotografia?
può sembrare una domanda facile a cui rispondere, ma le potenziali risposte potrebbero riempire questo libro da sole. Il fatto che la fotografia possa significare cose diverse per persone diverse è parte del suo fascino duraturo. La fotografia fa talmente parte delle nostre vite che sarebbe incomprensibile pensare a un mondo senza di essa. Probabilmente non potremmo contemplare il fatto di un matrimonio, vedere i bambini crescere o andare in vacanza senza la macchina fotografica. Siamo bombardati e saturati da immagini costantemente, giornali, riviste, pubblicità, così come la televisione e internet, eppure abbiamo un desiderio insaziabile di avere di più.
Da un lato ci sono i macchinari e le tecniche stesse, anche se cercate di non diventare ossessionati dall’ultimo pezzo di attrezzatura o assorbiti dal dettaglio artigianale troppo presto. Dall’altra c’è la varietà di approcci alla realizzazione delle immagini – mirando a risultati che vanno dal documentare un evento, o comunicare idee a un pubblico particolare, al lavoro che è auto-espressivo, socialmente o politicamente o commercialmente informato per l’album di famiglia o forse più ambiguo e aperto all’interpretazione.
Perché la fotografia
Forse sei attratto dalla fotografia principalmente perché sembra essere un modo veloce, conveniente e apparentemente veritiero di registrare qualcosa. Tutta l’importanza sta nel soggetto stesso, e si vuole mostrare oggettivamente ciò che è, o ciò che sta succedendo (i primi passi di un bambino o un graffio). I primi passi di un bambino o un graffio su un’auto per scopi assicurativi). In questo caso la fotografia è pensata come prova, identificazione, una sorta di diagramma di un evento. La macchina fotografica è il tuo taccuino visivo.
L’attributo opposto della fotografia è quando viene usata per manipolare o interpretare la realtà, in modo che le immagini spingano qualche “angolo”, convinzione o atteggiamento proprio. Si impostano le situazioni (come nella pubblicità) o si sceglie di fotografare alcuni aspetti di un evento ma non altri (come nel reporting di notizie politicamente di parte). La fotografia è un potente mezzo di persuasione e propaganda. Ha quell’anello di verità quando per tutto il tempo può fare qualsiasi dichiarazione che il fotografo sceglie. Considerate per un momento l’album di famiglia: quali immagini vi sono rappresentate – tutta la vita familiare o solo i momenti belli?
Un’altra ragione per iniziare a fotografare è che si vuole un mezzo di auto-espressione personale per esplorare le proprie idee, preoccupazioni o temi basati su questioni. Sembra strano che qualcosa di così apparentemente oggettivo come la fotografia possa essere usato per esprimere, diciamo, questioni di desiderio, identità, razza o genere, o metafora e fantasia. Probabilmente tutti noi abbiamo visto immagini ‘in’ altre cose, come leggere significati nelle formazioni di nuvole, nelle ombre o nella vernice scrostata. Una fotografia può intrigare attraverso il suo porre domande, facendo sì che lo spettatore torni a leggere nuove cose dall’immagine. Anche il modo in cui viene presentata può essere importante quanto il soggetto. Altri fotografi cercano semplicemente la bellezza, che esprimono nel loro stile “pittoresco”, come un’opera d’arte consapevole.
Una delle prime attrattive della fotografia per molte persone è il fascino dell’attrezzatura stessa. Tutta quell’ingegnosa tecnologia moderna progettata per adattarsi alla mano e all’occhio – c’è un grande fascino nel premere pulsanti, nel far scattare componenti di precisione al loro posto, e nel raccogliere e indossare macchine fotografiche. Gli strumenti sono vitali, naturalmente, e la conoscenza dettagliata su di essi è coinvolgente e importante, ma non si finisce per scattare fotografie solo per provare i macchinari. Non dobbiamo nemmeno dimenticare che essere un fotografo può essere visto anche come un lavoro molto affascinante – alcuni dei fotografi più noti sono quelli che hanno scattato immagini di personaggi famosi e sono diventati famosi loro stessi per associazione.Un altro elemento attraente è il processo reale della fotografia – la sfida della cura e del controllo, e il modo in cui questo viene premiato dall’eccellenza tecnica e da un oggetto finale prodotto da voi.
I risultati possono essere giudicati e goduti per le loro intrinseche ‘qualità’ fotografiche, come i dettagli superbi, i toni ricchi e i colori. Il processo ti dà i mezzi per ‘catturare il tuo vedere’, facendo immagini dalle cose intorno a te senza dover faticosamente disegnare. La macchina fotografica è una specie di macchina del tempo, che congela qualsiasi persona, luogo o situazione scelta. Sembra dare all’utente potere e scopo. Un’altra caratteristica è il semplice godimento della strutturazione visiva delle fotografie. C’è un vero piacere nel progettare immagini come tali – la ‘geometria’ delle linee e delle forme, l’equilibrio dei toni, il ritaglio e l’inquadratura delle scene – qualunque sia il contenuto del soggetto. Così tanto può essere fatto da un rapido cambio di punto di vista, o dalla scelta di un diverso momento nel tempo.
La struttura di un’immagine
La composizione ha a che fare con il mostrare le cose nel modo più forte ed efficace, qualunque sia il soggetto. Spesso questo significa evitare il disordine e la confusione tra i vari elementi presenti (a meno che questa stessa confusione non contribuisca all’atmosfera che si vuole creare).
Il modo in cui componi visivamente le tue foto è importante quanto la loro qualità tecnica. Ma questa abilità si acquisisce con l’esperienza tanto quanto si impara. Ti coinvolge nell’uso di linee, forme e aree di tono all’interno della tua immagine, indipendentemente da ciò che gli elementi sono in realtà, in modo che si relazionino insieme efficacemente, con un tipo di geometria soddisfacente.
La composizione è quindi qualcosa che la fotografia ha in comune con il disegno, la pittura e le arti figurative in generale. La differenza principale è che devi ottenere la maggior parte di essa mentre il soggetto è ancora di fronte a te, e fare il miglior uso di ciò che è presente in quel momento. La macchina fotografica lavora velocemente, anche se la camera oscura e il computer permettono composizioni alternative. Spesso una buona composizione consiste semplicemente nel guardare più attentamente attraverso il mirino. Quante volte avete visto una fotografia con i piedi delle persone tagliati o un vaso da fiori che “esce” dalla testa di qualcuno?
Abbiamo tutti sentito dire che “le regole sono lì per essere infrante”, poiché incoraggiano risultati che le seguono pedissequamente, ma non offrono altro.
Consultare le regole di composizione prima di scattare è come consultare le leggi di gravità prima di fare una passeggiata (Edward Weston).
Naturalmente è facile dire questo quando si ha già un occhio esperto per la fotografia, ma le guide sono utili se si è appena agli inizi. Esercitatevi a fare confronti critici tra le immagini che strutturalmente “funzionano” e quelle che non lo fanno. Discuti questi aspetti con altre persone, sia fotografi che non fotografi.
Quando un soggetto lo permette, è sempre un buon consiglio scattare diverse fotografie (partendo con le versioni ovvie, poi altre con piccoli cambiamenti nel modo in cui gli elementi sono giustapposti, ecc, semplificando e rafforzando sempre più ciò che la vostra immagine esprime o mostra). Devi abituarti a muovere di più il tuo corpo quando scatti una fotografia; troppo spesso le persone stanno semplicemente di fronte a un soggetto e scattano dall’altezza degli occhi. Abbassati, spostati di lato, appenditi a un albero! Sarete sorpresi di quanto piccoli movimenti possano cambiare drasticamente la composizione. È il tuo occhio che conta qui più che la macchina fotografica (anche se alcune macchine fotografiche si frappongono molto meno di altre tra te e il soggetto).
La composizione può contribuire molto allo stile e all’originalità delle tue foto. Alcuni fotografi optano per costruzioni eccentriche che aumentano la stranezza del contenuto delle immagini. Altri (Henri Cartier-Bresson ad esempio) sono ricordati per il loro approccio più formale alla composizione delle immagini.
Il ruolo delle fotografie
Non ha molto senso essere tecnicamente competenti e avere un occhio per la composizione, se non si capisce anche perché si sta scattando la fotografia. lo scopo di una fotografia può essere vario: ad esempio lo scopo di una fotografia può essere semplice (una registrazione di qualcosa o qualcuno per l’identificazione) o può essere ambiguo (un’immagine soggettiva che sovrappone il concetto di sicurezza, felicità o minaccia). Nessuno scrittore prenderebbe in mano una penna senza sapere se il compito è quello di produrre un foglio di dati o una poesia. Eppure c’è un terribile pericolo con la fotografia: si imposta l’attrezzatura, ci si occupa della messa a fuoco, dell’esposizione e della composizione, ma non si pensa affatto al significato della foto e al perché si dovrebbe mostrare il soggetto in quel particolare modo.
Le persone scattano fotografie per tutti i tipi di motivi, naturalmente. La maggior parte sono per ricordare le vacanze, o la famiglia e le persone care. Questo soddisfa una delle funzioni sociali più preziose della fotografia, congelando momenti della nostra storia per ricordarli negli anni a venire.
A volte le fotografie sono scattate per mostrare condizioni umane difficili e quindi fare appello alle coscienze degli altri. Qui si può dover indagare il soggetto in un modo che in altre circostanze sarebbe chiamato indiscrezione o voyeurismo. Questo rapporto difficile con il soggetto deve essere superato se la vostra foto finale vuole ottenere una risposta positiva dallo spettatore.
Capire il miglior approccio al soggetto per creare la giusta reazione da parte del vostro pubblico di riferimento è anche vitale nelle fotografie che pubblicizzano e vendono. Ogni dettaglio in una situazione di set-up deve essere considerato con il messaggio in mente. La location o lo sfondo sono di un tipo con cui i consumatori si identificano positivamente? I modelli e i vestiti che indossano sono troppo in alto (o in basso) nel mercato? Gli oggetti di scena e gli accessori devono essere adatti allo stile di vita e all’atmosfera che si sta cercando di trasmettere.
In generale, agli spettatori deve essere offerta un’immagine di se stessi resa più attraente dal prodotto o servizio che si sta cercando di vendere. Nel mezzo di tutta questa fantasia dovete produrre un’immagine strutturata per attirare l’attenzione; mostrare il prodotto; forse lasciare spazio per le scritte; e adattarsi alle proporzioni della cartolina o della pagina della rivista su cui sarà infine stampata.
Le immagini delle notizie sono di nuovo diverse. Qui si deve spesso incapsulare un evento in quello che sarà uno scatto finale pubblicato. Il momento dell’espressione o dell’azione dovrebbe riassumere la situazione, anche se potete colorare il vostro reportage scegliendo cosa, quando e da dove scattate. Fino a poco tempo fa c’era il presupposto che i fotografi fossero osservatori imparziali, che documentavano gli eventi mentre si svolgevano. La realtà è un po’ diversa, perché nessuno può essere completamente imparziale.
I fotografi hanno le loro convinzioni (sociali, culturali, politiche o religiose) e i loro pregiudizi. Fotografa una manifestazione da dietro una linea di polizia e potresti mostrare folle minacciose; fotografa da davanti alla folla e mostrerai autorità repressive. Hai un potere simile quando si ritrae il volto, per esempio, di un politico o di uno sportivo. L’espressione di qualcuno può cambiare tra tristezza, gioia, noia, preoccupazione, arroganza, ecc. Fotografando solo uno di questi momenti ed etichettandolo con una didascalia che riporta l’evento, non è difficile alterare la verità; quindi il fotografo ha la responsabilità di riconoscere le proprie convinzioni e pregiudizi.
Queste sottili distinzioni dimostrano come i fotografi hanno sempre manipolato lo spettatore. La facilità con cui la manipolazione digitale può ora aggiungere o rimuovere elementi dell’immagine senza soluzione di continuità ha messo a tacere il vecchio adagio, che non è mai stato vero, della “verità fotografica” e “la macchina fotografica non può mentire”.
La fotografia può fornire informazioni nel tipo di immagini usate per la formazione, la medicina e varie forme di prove scientifiche. Qui si può davvero fare uso del superbo dettaglio e della chiarezza del mezzo, e del modo in cui le immagini comunicano a livello internazionale, senza la barriera linguistica della parola scritta. Tuttavia, ancora una volta la storia della fotografia è piena di esempi di immagini ‘scientifiche’ manipolate per fornire prove delle convinzioni del fotografo. Certa fotografia alla fine del diciannovesimo e all’inizio del ventesimo secolo, per esempio, fu usata per fornire la prova che i tratti umani erano definiti nei tratti del viso degli individui, e i criminali, gli omosessuali, i malati e i malati di mente erano sottoposti allo sguardo di controllo dell’obiettivo fotografico. Lo scopo di questo era che potessero essere facilmente identificati e rimossi dalla società verso una forma di istituzione o un’altra, e si sarebbe poi rimasti con una razza ‘pura’.
Oggi ci sono ancora certi tipi di fotografia che si basano sulla differenza, spesso i visitatori che fotografano in luoghi esotici in vacanza – il piccolo e carino mendicante indiano o un abitante di una tribù africana – o anche più vicino a casa, i senzatetto. Questi e un certo numero di altri soggetti, come finestre e porte, forme di decadenza come cimiteri, rottami e persino graffiti, entusiasmano il fotografo per una ragione o per l’altra. Come qualcuno nuovo alla fotografia dovrete negoziare la vostra strada attraverso l’ovvio e capire come potete definire il motivo per cui state facendo fotografie.
Ad un altro livello, fotografie interamente decorative per calendari o illustrazioni editoriali (immagini che accompagnano articoli di riviste) possono comunicare la bellezza per se stessa – bellezza del paesaggio, bellezza umana e forma naturale o bellezza vista nelle cose ordinarie e quotidiane. La bellezza è una qualità molto soggettiva, influenzata da atteggiamenti ed esperienze. Ma qui c’è spazio per il vostro modo di vedere e rispondere attraverso una fotografia che produce una risposta simile negli altri. Esagerato, diventa facilmente “carino” e stucchevole, eccessivo, cliché e autocosciente.
Le fotografie non sono sempre destinate a comunicare con altre persone, tuttavia; potreste essere alla ricerca di auto-soddisfazione e auto-espressione, e potrebbe essere una questione di indifferenza per voi se gli altri leggono informazioni o messaggi nei vostri risultati – o addirittura li vedono del tutto. Alcune delle immagini più originali della fotografia sono state prodotte in questo modo, totalmente libere da convenzioni commerciali o artistiche, spesso il risultato dell’ossessione privata e personale di qualcuno.
Ci sono molti altri ruoli che le fotografie possono svolgere: miscele di fatto e fizione, arte e scienza, comunicazione e non comunicazione. La fotografia ha giocato un ruolo importante nella definizione di alcuni movimenti artistici come il surrealismo dove un gioco sulla natura reale o presunta oggettiva della fotografia è usato con effetti sorprendenti. Ricordate anche che una fotografia non è necessariamente l’ultimo anello della catena tra il soggetto e lo spettatore. Editori, editori d’arte e organizzatori di mostre amano tutti imporre la loro volontà sulla presentazione finale. Le immagini sono ritagliate, le didascalie sono scritte e aggiunte, i layout collocano una foto in relazione alle altre. Ognuno di questi atti può rafforzare, indebolire o distorcere ciò che un fotografo sta cercando di mostrare. Sei alla mercé delle persone “più in là nel tempo”. Possono anche sabotarti anni dopo, prendendo una vecchia foto e facendole fare nuovi trucchi.
L’approccio alla fotografia nel tempo
Oggi la fotografia è più popolare nell’arte che mai, ma la consapevolezza e l’accettazione della fotografia come mezzo creativo da parte di altri artisti, gallerie, editori, collezionisti e pubblico in generale non è stata conquistata facilmente. I punti di vista della gente su ciò che la fotografia può e non può fare o pro e contro la fotografia come arte sono variate enormemente in passato, secondo le mode e gli atteggiamenti dei tempi, e la fotografia ha avuto ruoli diversi dalla sua invenzione. Per gran parte del diciannovesimo secolo (la fotografia fu Per gran parte del diciannovesimo secolo (la fotografia fu inventata ufficialmente nel 1839: vedi l’Appendice G per una linea temporale degli eventi che hanno portato all’invenzione della fotografia e le date importanti), i fotografi erano spesso visti come una minaccia dai pittori, che non mancavano mai di sottolineare in pubblico che questi intrusi apparentemente grossolani non avevano alcuna abilità o conoscenza artistica. In una certa misura questo era vero – bisognava essere qualcosa di chimico per ottenere dei risultati; ma una conoscenza dell’arte aiutava anche con la composizione, l’illuminazione e così via.
Nella prima metà del diciannovesimo secolo diverse persone cercarono di perfezionare la fotografia, inventando diversi processi e tecniche, ma tutti avevano obiettivi simili: produrre le immagini più realistiche e dettagliate fissando l’immagine creata all’interno di una macchina fotografica, e facendo quelli che ora sono chiamati ‘fotogrammi’. Le prime fotografie erano considerate miracolose e lodate per la loro bellezza e dettaglio; richiedevano anche molta abilità e conoscenza per essere prodotte.
Alla fine del diciannovesimo secolo, le attrezzature e i materiali erano diventati in qualche modo più facili da maneggiare, e la fotografia si era diffusa in tutto il mondo e veniva utilizzata per scopi artistici e per documentare persone, luoghi e cose. All’inizio del ventesimo secolo, le macchine fotografiche istantanee e i servizi di sviluppo e stampa per i dilettanti, resero la fotografia in bianco e nero un divertimento per le masse. Alcuni fotografi “seri” sentirono il bisogno di prendere le distanze da tutto questo e di farsi accettare come artisti, così cercarono di forzare il mezzo più vicino all’aspetto e alle funzioni dei dipinti dell’epoca. Questi fotografi stavano anche cercando di riconquistare la sensazione di ‘fatto a mano’ delle prime fotografie in un momento in cui le fotografie stavano diventando prodotti meccanici di massa. Si definivano fotografi ‘pittorici’, riprendendo soggetti pittoreschi, spesso attraverso apparecchi fotografici con messa a fuoco morbida, e stampando su carta strutturata con processi che eliminavano la maggior parte degli ‘orridi dettagli’ della fotografia.
Altri fotografi erano più interessati alla fotografia come un modo nuovo e moderno di produrre immagini, e si concentrarono su ciò che pensavano che la fotografia potesse fare meglio di altre forme tradizionali di rappresentazione. Utilizzavano nuove tecniche per riprodurre meccanicamente le fotografie sulla pagina stampata ed erano influenzati dalla nuova cultura popolare (come film e riviste illustrate) e dall’arte moderna che diventava sempre più astratta. I fotografi videro i pittori concentrarsi sulle qualità particolari della pittura (superficie, struttura e così via) e decisero di concentrarsi su ciò che la fotografia poteva fare, invece di cercare di fare immagini che assomigliassero ai dipinti. Come reazione al pittorialismo, la fotografia ‘diretta’ entrò in voga all’inizio del ventesimo secolo in Europa e in America con il lavoro di fotografi come Walker Evans o Paul Strand. Essi fecero il massimo uso delle qualità della fotografia in bianco e nero che erano state precedentemente condannate come senza arte: una messa a fuoco nitidissima, una ricca scala tonale e l’abilità di riprendere semplici soggetti quotidiani usando l’illuminazione naturale e trasformarli in belle immagini. L’eccellenza tecnica era molto importante e rigorosamente applicata. La fotografia aveva sviluppato un’estetica propria, qualcosa di completamente separato dalla pittura e da altre forme di arte fine. Questa estetica fu perseguita da fotografi come Edward Weston e Ansel Adams e i loro studi acutamente focalizzati di dettagli e texture stabilirono gli standard per la fotografia artistica fino agli anni ’60.
L’avvento delle fotografie stampate meccanicamente su giornali e riviste aprì il mercato della della stampa e della fotografia spontanea. Le immagini venivano scattate per la loro azione e il loro contenuto piuttosto piuttosto che per un trattamento molto ponderato. Questo e la libertà data dalla precisione delle macchine fotografiche a mano portarono a una rottura con le vecchie regole di composizione pittorica.
Gli anni 1930 e 1940 furono il periodo di grande espansione per delle riviste d’immagine e dei reportage fotografici, prima della comparsa della televisione. Videro anche una crescita costante negli aspetti professionali della fotografia: pubblicità, commerciale e industriale, ritrattistica, applicazioni mediche, scientifiche e aeree. La maggior parte di questo era ancora in bianco e nero. L’uso del colore crebbe gradualmente durante gli anni ’50, ma era ancora difficile e costoso da riprodurre bene nelle pubblicazioni.
Negli anni sessanta avvennero cambiamenti rapidi e di vasta portata. Da qualcosa che una generazione precedente aveva considerato come un mestiere antiquato e un’occupazione artistica, la fotografia divenne molto parte della cultura pop e del consumismo che aveva avuto un boom dalla seconda guerra mondiale. Le nuove fotocamere SLR di precisione di piccolo formato, il flash elettronico, le macchine e i laboratori personalizzati per smaltire le noiose routine di elaborazione, per non parlare dell’esplosione della fotografia di moda, ebbero il loro effetto. La fotografia catturò l’immaginazione del pubblico.
I giovani volevano improvvisamente possedere una macchina fotografica e usarla per esprimere se stessi e ritrarre il mondo che li circondava. I nuovi I nuovi fotografi erano interessati agli artisti contemporanei, ma non conoscevano né si preoccupavano dei club e delle società fotografiche consolidate con le loro “regole” ottundenti e la loro visione ristretta delle possibilità della fotografia. Poiché le fotografie erano diventate così universali nello stile di vita contemporaneo delle persone, si integrarono con la pittura moderna, la stampa, persino la scultura, e una generazione di giovani artisti che includeva Bruce Nauman, Robert Smithson e Ed Ruscha iniziò a usare la fotografia come un altro degli strumenti a loro disposizione. Vedevano la fotografia in modo molto diverso dai fotografi d’arte che erano venuti prima di loro ed erano meno interessati ai mestieri della fotografia, godendo della sua rapidità, la sua capacità di catturare eventi e performance, e il fatto che sembrava far parte del mondo quotidiano della cultura popolare, non dell’arte.
La fotografia cominciò ad essere insegnata nelle scuole e nei college, specialmente in quelli d’arte, dove era stata precedentemente declassata a materia tecnica. L’America fece da apripista nell’istituire corsi di laurea in fotografia e la incluse nell’arte e nel design, negli studi sociali e nelle comunicazioni. Ciononostante, pochi portafogli fotografici di una sola persona erano stati pubblicati con una riproduzione di alta qualità in libri. Era anche estremamente raro che una galleria d’arte affermata vendesse o addirittura appendesse fotografie, per non parlare delle gallerie pubbliche dedicate alla fotografia. Come Di conseguenza, era difficile che il lavoro degli individui venisse visto e diventasse noto. Anche le riviste e i giornali a volte non accreditavano il fotografo accanto al suo lavoro, mentre gli scrittori avevano sempre un credito pubblicato.
Negli anni Settanta, però, tutto questo era cambiato. Le gallerie avventurose organizzavano mostre fotografiche che erano sempre più frequentate. La domanda da parte del pubblico e degli studenti dei corsi incoraggiò gli editori a produrre una vasta gamma di libri che mostravano il lavoro dei singoli fotografi. Il lavoro creativo iniziò ad essere venduto come ‘stampe fine’ nelle gallerie a persone che le acquistavano come investimento. Vecchi fotografi come Bill Brandt, Minor White e Andre Kertesz furono riscoperti dai curatori d’arte, tirati fuori dalla semioscurità e il loro lavoro esposto in centri d’arte internazionali, mentre fotografi come William Eggleston e Stephen Shore furono i primi a esporre fotografie a colori nei principali musei.
Gli anni ’80 portarono materiali a colori che offrivano risultati di migliore qualità ed erano più economici di prima. I laboratori a colori cominciarono a comparire, offrendo a tutti una migliore elaborazione e stampa, oltre a tempi di consegna più rapidi. Il grande pubblico voleva scattare a colori piuttosto che in bianco e nero, e gradualmente il colore fu adottato anche dai fotografi artisti. Il colore divenne più economico da riprodurre sulla pagina stampata; anche i giornali iniziarono a usare la fotografia a colori. In questo periodo divenne anche possibile produrre fotografie a colori su larga scala, spingendo una nuova generazione di fotografi d’artista a creare immagini più vicine alle dimensioni dei dipinti dei vecchi maestri, delle pubblicità sui cartelloni e degli schermi cinematografici piuttosto che alle pagine dei libri o delle riviste e alle piccole stampe più comunemente associate alla fotografia.
Oggi la disponibilità di attrezzature fotografiche meno scoraggianti e facili da usare, combinata con un pubblico molto più grande per la fotografia, incoraggia un ampio flusso di immagini. Gallerie, libri e istruzione hanno portato una maggiore discussione critica sulle fotografie – come esse comunicano significati attraverso
un linguaggio visivo proprio. Ci sono ora così tanti modi in cui la fotografia è usata da diversi individui che sta diventando quasi altrettanto varia e profonda di qualsiasi altra arte. Infatti, oggi, la fotografia è ovunque e fa parte di quasi ogni aspetto della nostra vita contemporanea.
Le macchine fotografiche digitali, gli scanner e internet hanno reso possibile la distribuzione di fotografie più ampiamente e più velocemente che mai, e la fotografia continua ad espandersi man mano che le tecnologie e le idee cambiano. Una maggiore comprensione dei linguaggi della fotografia e l’avvento delle nuove tecnologie ha incoraggiato un più ampio apprezzamento della fotografia come mezzo che documenta il mondo ed è espressivo allo stesso tempo.
