Il fotoritocco, ovvero il montaggio di fotografie è di per sé un’arte. È ciò che ha reso leggendari tanti grandi fotografi. Si tratta della capacità di arrivare ai limiti di una rappresentazione bidimensionale di un mondo tridimensionale, di catturarla in modo esatto su pellicola o in digitale e poi, e solo allora, modificare e quindi creare l’immagine a proprio piacimento.
In effetti, stiamo parlando di un’arte. Il che solleva la domanda: dov’è la linea da non superare per trasformare un’immagine in qualcos’altro?
Come con l’arte, questa risposta non è semplice. Ognuno di noi ha la sua interpretazione, ma diamo un’occhiata ad alcuni parametri in gioco. Ci sono tre domande che potreste volervi porre la prossima volta che vi immergerete nell’editing delle vostre immagini.
Qual è il mio intento?
Ai tempi del cinema, bisognava avere un intento. Anche se la tua intenzione era quella di “fare casino e imparare alcune cose”, ti sei reso conto che c’era un costo diretto per quell’apprendimento. Quel costo era costituito dalla pellicola, dalla carta, dalle soluzioni chimiche e dal tempo, oltre che dal denaro.
Ora, sperimentare è così dannatamente facile che qualsiasi bambino con un iPhone può farlo. Penso che sia una buona cosa. Sperimentare è una parte vitale dell’espressione artistica ed è particolarmente vero con il fotoritocco.
L’intento è importante quando è accoppiato con la sperimentazione se si spera di imparare, crescere e progredire.
L’intento ti fa capire quando la tua sperimentazione si spinge troppo oltre, e le tue modifiche sono troppe. L’intento è una guida meravigliosa, con un sacco di latitudine se la si concede.
Il mio suggerimento qui è di avere l’intenzione di avere l’intenzione con la vostra sperimentazione di editing. Sappiate cosa sperate di ottenere dalla sperimentazione e abbiate una direzione generale.
Sono rimasto fedele alla mia visione?
La visione è dove ti porta il tuo intento. Avere una visione artistica aiuta a porre dei limiti al tuo lavoro che spesso è necessario, per evitare che tutto si trasformi in caos.
Forse la visione di un fotografo ritrattista è quella di ritrarre ogni soggetto in modo sommesso, con luci soffuse e dettagli difficili. Vuole mostrare quel lato di ogni soggetto, e questo porta al loro intento, più e più volte. È ripetibile.
Immagine: Questo è un editing che l’autore ammette ora sia stato un editing eccessivo, anche se all’epoca era divertente.
Questa è una modifica che l’autore ammette di aver fatto troppe modifiche, anche se all’epoca era divertente.
In alternativa, forse sei un fotografo di paesaggi che immagina che il tuo lavoro sia una rappresentazione veritiera di ciò che hai vissuto, non un fantasioso “mondo perfetto”. Ci si sforza di ricreare la scena quando si torna al computer e si utilizzano strumenti per la visione finale.
Senza avere una visione di ciò che si vuole produrre, è facile farsi influenzare dal canto della sirena di strumenti di editing davvero cool che ti spingono verso le rocce della rovina dell’editing.
Il fotoritocco è sostenibile?
Non voglio dire che tutta l’arte, tutte le forme di editing che scegli, devono durare per sempre. Tutti noi attraversiamo delle fasi. Questo mi ha colpito profondamente in un recente viaggio a Barcellona e in una recensione del lavoro di Goya attraverso i decenni che ha dipinto.
In primo luogo, ci sono state le prime fasi della carriera di Goya dove ha eseguito la riproduzione in stile francese e italiano. Queste sono state le più importanti. Bellissimi ritratti!
Poi, in seguito, ha avuto uno stile più semplicistico. Pieno di colori facili e di un’interpretazione più sciolta del mondo che lo circonda con tutti i suoi protagonisti.
In una delle ultime sale c’erano le esposizioni del “periodo nero” di Goya. Carboncino e toni scuri, e terribili scene di disagio. Niente di simile a quello che aveva prodotto prima.
La maggior parte di noi si muove attraverso i periodi. Questo non squalifica istantaneamente nessuno di essi come arte (in senso di montaggio), ma ci dà un buon specchio.
Siamo i nostri critici più duri, e solo noi possiamo guardare indietro al lavoro che abbiamo fatto uno, cinque o venti anni fa e considerarlo arte o meno. Se vediamo uno stile, un filo che attraversa tutte le nostre opere, è facile dire che abbiamo fatto arte. Tuttavia, se scopriamo, attraverso il beneficio del tempo e della distanza, che qualcosa che pensavamo fossero le ginocchia dell’ape è ora, ai nostri occhi più esperti, spazzatura, possiamo metterla da parte.
La mania dell’HDR come esempio: il fotoritocco
Alcuni anni fa, mentre la fotografia digitale stava prendendo piede con le masse, è arrivata la mania dell’HDR. Era un periodo in cui chiunque poteva usare una particolare tecnica per ottenere le cosiddette immagini ad alta gamma dinamica (HDR).
Per alcuni, era un divertente allontanamento dalla loro normale routine. Altri la vedevano come un’opportunità per mostrare tutto in una scena; forse non la stessa che i loro occhi vedevano, ma meglio dell’alternativa.
Alcuni di noi si sono rivoltati lo stomaco ogni volta che hanno visto una di quelle foto.
Era nuova, ed era nuova. Inoltre, non rientrava nelle visioni di molti fotografi. Oggi è difficile trovare esempi di quei primi tentativi ancora in fase di riproduzione. Non era sostenibile.
Anche se per un po’ è stato divertente. Soprattutto per chi si è divertito ad allontanarsi dalla realtà.
Io professerei che si trattava di un caso di troppo editing e che per questo motivo ha incontrato la sua probabile scomparsa.
Conclusione
Mentre la decisione su ciò che impone un editing eccessivo è soggettiva per lo spettatore e la sua esperienza, spero che le domande che ho posto in precedenza aiutino a guidarvi nei vostri sforzi futuri.
Non sono qui per giudicare il vostro lavoro o per dire che potreste sbagliarvi. Quella voce, e ciò che la tua arte significa per te, deve venire da dentro di te.
Sviluppa la tua visione. Rimanete fedeli ad essa. Concentrate il vostro intento verso di essa. Poi non dovrete preoccuparvi se vi siete spinti troppo oltre nel vostro lavoro di editing.
